22/11/12

EL CENTRO DE FORMACIÓN TEATRAL ABRE EL PROGRAMA DE DIRECCIÓN

 
¡ATENCIÓN! EL CIERRE DE INSCRIPCIÓN SE HA EXTENDIDO HASTA EL DÍA JUEVES 13 DE DICIEMBRE, A PEDIDO DE LOS INTERESADOS EN EL PROGRAMA CON EL FIN DE PREPARAR LOS DOCUMENTOS SOLICITADOS.


El Centro de Formación Teatral de Aranwa Teatro abre las inscripciones de su Programa de Dirección 2013 y tiene como objetivo formar directores escénicos profesionales que, conociendo su medio, sean capaces de desenvolverse de manera eficiente tanto técnica como éticamente.

Tiene una duración de un año y medio dividido en tres módulos, de cinco meses cada uno, con cursos diferentes. Los profesores principales son Jorge Chiarella Krüger y Mateo Chiarella Viale. En el tercer módulo, especialistas de primer nivel en áreas de diseño complementarán la formación.

REQUISITOS PARA POSTULAR
Es necesario que el alumno venga con un mínimo conocimiento teatral previo capaz de insertarlo, de manera adecuada, en el estudio de la dirección teatral. De tal manera, los requisitos para poder ingresar varían de acuerdo a la rama desarrollada por el alumno:

Para actores: que hayan estudiado actuación mínimo 1 año o hayan participado como actores en obras de teatro públicas, no escolares, mínimo en 2 papeles protagónicos o en 6 papeles secundarios.
Para dramaturgos: quienes tengan mínimo seis meses de estudios de dramaturgia o dos obras estrenadas.
Para directores de teatro: que hayan estrenado 2 obras con un mínimo de dos semanas de exhibición teatral públicas.
Para directores de cine o televisión: que tengan 1 largometraje de cine, 3 cortos, o 2 unitarios de TV. Todos ellos en ficción.


PLAN DEL PROGRAMA

PRIMER MÓDULO
Introducción a la Dirección Teatral
Historia de la Dirección
Dirección de Actores I
Literatura Dramática para la Dirección

SEGUNDO MÓDULO
Dirección de Actores II
Dirección de Actores en Cine y TV
Concepto y Punto de Vista
Puesta en Escena I

TERCER MÓDULO
Estética y Diseño
Puesta en Escena II

INSCRIPCIÓN

PRIMER PASO
Presentar en Aranwa
Ficha de inscripción llena
Documentos sustentatorios de los requisitos.
2 fotografías tamaño carnet.
Voucher de pago por inscripción: 35 soles en la cuenta del BCP:
Fecha de inscripción y presentación de expedientes: Del 21 de noviembre al 13 de diciembre

SEGUNDO PASO
Entrevista: 13 y 14 de diciembre
Resultado: 15 de diciembre
Matrícula: Del 9 a 11 de enero de 2013

INICIO DEL PROGRAMA
15 de enero.

COSTO
500 soles mensuales.

HORARIOS
Martes y jueves de 10 a 1 p.m.

INFORMES E INSCRIPCIONES
ARANWA ASOCIACIÓN CULTURAL
Jr. Huiracocha 2160. Jesús María
Teléfono: 4627209/ 4627373
E-mail: cftaranwa@gmail.com

19/11/12

ARANWA CONVOCA A SU PROGRAMA DE DRAMATURGIA 2013



El Centro de Formación Teatral de Aranwa Teatro abre las inscripciones de su Programa de Dramaturgia 2013 para las personas interesadas en seguir una carrera como dramaturgos y/o guionistas de cine y televisión.

El Programa tiene una duración de un año, dividido en 5 Módulos, y tiene como objetivo brindarle al alumno las herramientas necesarias para poder escribir una obra teatral o un guión audiovisual.

La plana docente está conformada por reconocidos profesionales del medio: Eduardo Adrianzén, Alfredo Bushby, Mateo Chiarella, Gonzalo Rodríguez Risco, Claudia Sacha, Celeste Viale, además de profesores invitados.

A través de este Programa, Aranwa Teatro busca incentivar la escritura teatral, difundir nuevos dramaturgos y poner en circulación nuevas piezas de teatro peruano.

Inscripciones:
Del martes 20 de noviembre al viernes 14 de diciembre 2012 y del lunes 7 al viernes 18 de enero 2013.

Horario de inscripción:
De lunes a viernes de 9:30 a.m. a 5:30 p.m.

Examen de Admisión
Prueba escrita (Redacción y análisis) y entrevista personal.

Fecha de Evaluación:

21 y 22 de enero 2013.

Matrícula:

Del 23 al 25 de enero 2013.

Duración del Programa

4 módulos de 6 semanas cada uno.
1 módulo de 12 semanas.

Horario de Clases

Lunes y jueves de 7:00 p.m. a 10:00 p.m. y Martes de 7:00 p.m. a 9:00 p.m.

Costo
450 soles mensuales.

Cupo

Mínimo 8.

Inicio de Clases
Lunes 11 de Febrero 2013.

INFORMES E INSCRIPCIONES:
ARANWA ASOCIACIÓN CULTURAL
Teléfonos Of: 4627210 / 4627373
Jr. Huiracocha 2160, Jesús María
Horario de Atención: Lunes a viernes, de 9 a 5.30 p.m.

UNA MIRADA A NUESTRO CFT:http://www.youtube.com/watch?v=8b8kuXFIlCw&feature=relmfu,
http://www.youtube.com/watch?v=OjkbvXooYXA&feature=relmfu,
http://www.youtube.com/watch?v=7F5c1_eE2ng&feature=relmfu

18/11/12

LA PROMOCIÓN VIII DE ACTUACIÓN DEL CFT ARANWA TEATRO PRESENTÓ OBRA "EN FAMILIA" COMO FIN DE MODULO II

Mostrando gran disciplina y preparación en este Módulo donde se trabajó construcción de personaje, a más de cuerpo y voz, a cargo de los profesores Mateo Chiarella Viale (Actuación) y Yolanda Rojas (Voz y Cuerpo), respectivamente, los alumnos del Módulo II ofrecieron la obra "En familia" del autor uruguayo Florencio Sánchez, bajo la dirección de Mateo.


Ellos son, en orden de aparición: Steffani Rojas, Renato Medina, Julissa Paredes, Jorge Carrión, Omar Alosilla, Felien De Smedt y Katherina Sánchez (actriz egresada de la Promoción VI, invitada para el montaje).

El público aplaudió largamente el trabajo, pues obtuvo un resultado altamente satisfactorio. Las funciones se realizaron en nuestra Sala Ricardo Blume (la de bolsillo, mientras la otra siga en construcción).
¡Felicitaciones a todos ellos!

22/10/12

RODOLFO SANTANA Y UNA LOCURA QUE NUNCA OLVIDAREMOS



Rodolfo Santana. Su obra "La empresa perdona un momento de locura" se basó en una noticia que daba cuenta de prácticas que se hacían en algunas empresas de Japón.


Grupo de Teatro Telba. Jueves, 6 de abril de 1978. Los dos actores: Jaime Lértora y María Elena Alva se preparan para salir a escena. Yo me encuentro en la cabina con Emilio Cánepa “El papi”, encargado de operar las luces. Desde allí acostumbro a controlar mis direcciones. Desde allí también veo al público que va entrando a la sala del Centro Cívico de Barranco Manuel Beltroy. Recibiendo a los invitados, se encuentra Celeste Viale, con su preciosa barriguita albergando a nuestro segundo vástago.

Tercer timbre. Celeste cierra la cortina de la entrada, suena la música, se apagan las luces, los actores ocupan sus sitios en el escenario y comienza el estreno en Lima de “La empresa perdona un momento de locura”, estupenda obra del autor venezolano Rodolfo Santana.

Sin que yo lo supiera, en el mismo instante en que se inicia el diálogo, el corazón de Celeste empieza a apurarse y los dolores del parto a hacer acto de presencia. Los aplausos y vivas finales se fueron apagando y el público centró su atención a una zona de la platea que yo no alcanzaba a ver. Bajé rápidamente y, ante mi desconcierto, encontré a Celeste con acelerada respiración y a queridos amigos decidiendo llevarla a la clínica. Mi compadre Mario Pasco asumió el encargo aludiendo que mis nervios me desautorizaban para manejar, y fue raudo a la Javier Prado seguido por mí sin que pudiera reponerme de lo que estaba ocurriendo. Faltando minutos para las 12 de la noche, nació Mateo Chiarella Viale.

Fue un día de estrenos felices.

“La empresa perdona un momento de locura”, obra de hora y diez de duración, más o menos, fue presentada durante seis años en diversas temporadas y en múltiples funciones de difusión en instituciones, congresos, pueblos jóvenes, sindicatos, etc. y siempre acompañada de un foro con el público asistente. La obra tocaba el tema de una sicóloga de una empresa que le “lava” el cerebro a un viejo obrero. Éste tenía ascendiente en los trabajadores y ante un accidente en la planta, rompe unas máquinas calificando a los dueños de explotadores. La empresa, entonces, decide “tratarlo” y premiarlo, en lugar de despedirlo, “perdonando ese momento de locura” a fin de no soliviantar a sus compañeros. En esa época había toque de queda y era gracioso distinguir a varios políticos de izquierda asistir a la sala con teatral maquillaje para no ser reconocidos. Los foros resultaron sumamente animados y curiosamente cuando la pieza se daba en salas, el público se centraba en el comportamiento del obrero. En el caso de las presentaciones “populares”, el público evitaba hablar del obrero y se centraba en la sicóloga. Recuerdo que en uno de los seis años que dimos la obra, nos invitaron a un Congreso Internacional de Sicología que se realizó en Lima y allí sí que se armó el tole tole, porque algunos invitados extranjeros se sintieron ofendidos al ver a la sicóloga presentada como una manipuladora. La respuesta de otro sector de los congregados no se hizo esperar y la discusión subió de tono. Al final hubo quien nos comentó que había sido la sesión más fructífera del Congreso de Sicología.

Un día de 1980 recibo una llamada. No conozco la voz y pregunto quién habla. Me responde: Rodolfo Santana. No le creí. Jaime acostumbraba a bromear conmigo cada vez que me llamaba haciéndose pasar por diversas personas incluyendo personajes como Batman. Fue tal la insistencia de Rodolfo que me quedé mudo. Hicimos una reunión en Telba, el intercambio fue fructífero y hermoso, entre otras cosas nos explicó cómo era el método que utilizaban en Venezuela para hacer creación colectiva, y al final nos pidió que le hiciéramos una función para él. Invitamos a algunos amigos, entre los que estuvo Lucho Freire quien hizo una linda nota para La Prensa, y, emocionado, Rodolfo nos comentó que habíamos utilizado una versión que él había ya corregido, pero que al ver nuestra puesta la iba a rescatar. Fue una jornada de esas que hermana a la gente de teatro de todo el mundo. Rodolfo fue nombrado Miembro Honorario del Grupo de Teatro Telba y quedó en el corazón de todos nosotros.

Seis años después de su estreno, dimos la última temporada. Esta vez fue en la Alianza Francesa. Jaime ya no tenía que pintarse todas las canas de su personaje, algunas ya eran naturales. El papel de la sicóloga lo interpretaba ahora su hermana Myriam. En la última función estuvo presente Mateo. Le habíamos contado que en el momento que estrenábamos esa obra, el había iniciado su venida a este mundo.

Hoy, 22 de octubre de 2012, me entero por un enlace en el Facebook de mi gran amigo Chispas Bellatín, que Rodolfo Santana ha fallecido ayer. El periódico venezolano Última Hora consigna que su muerte se debió a una nefasta diabetes, a sus 67 años de edad y a punto de cumplir este jueves los 68. Agrega que coincidentemente el 21 de octubre de 1995 se fue Ignacio Cabrujas, otro gran dramaturgo del teatro de Venezuela.

La noticia pone de duelo también al teatro peruano y latinoamericano. Rodolfo , con su talento, su frescura y su hondo sentido social hizo vibrar a miles de espectadores en nuestro país. Quienes tuvimos la suerte de conocerlo y subir sus trabajos al escenario, cerramos con dolor los ojos, hacemos un largo silencio y lo acompañamos en su camino al descanso eterno.

25/9/12

ARANWA CONVOCA A SU PROGRAMA DE ACTUACIÓN 2013



El Centro de Formación Teatral Aranwa, dirigido por Celeste Viale Yerovi, abre las inscripciones para su Programa de Actuación 2013. El Programa consta de dos años divididos en cinco módulos en los cuales el alumno podrá desarrollar la técnica actoral de manera profunda y rigurosa bajo la enseñanza de los reconocidos directores Jorge Chiarella (actor y director teatral) y Mateo Chiarella (director teatral), junto a un staff de profesores de primer nivel.

El objetivo es formar actores profesionales capaces de tener un buen manejo del cuerpo y la voz al servicio de la palabra y la acción; de tal manera, que puedan desenvolverse en un proceso teatral, televisivo y cinematográfico, con verosimilitud y conocimiento de su función y contexto, sin olvidar la ética que implica el quehacer actoral.

Contenido:

Módulo I: Actuación (La Palabra) - Expresión Corporal
Módulo II: Actuación (Personajes) - Trabajo de Voz
Módulo III: Actuación (Ruptura con el Realismo)
Módulo IV: Música en la voz y el cuerpo.
Módulo V: Montaje

Inscripciones:
Del 3 al 26 de octubre de 2012
De lunes a viernes de 9 a.m. a 5.30 p,m. en Aranwa Teatro (Jr. Huiracocha 2160, Jesús María).

Requisitos:
Traer la ficha de inscripción con sus datos completos y el voucher del pago realizado a la cuenta de ARANWA ASOCIACIÓN CULTURAL. Recibidos ambos documentos, se les entregará el monólogo que deben presentar para la audición. La letra debe ser aprendida de memoria de manera exacta e interpretada lo mejor posible. Asimismo, se les señalará el día y la hora de su audición.
Costo de Audición: S/. 35.00
Lugar de Abono: BCP Cuenta Corriente Soles N° 193-1863263-0-37

Audiciones: 8, 9 y 10 de noviembre de 2012
Resultado: 12 de noviembre
Matrícula: 15 al 17 de noviembre

Costo Mensual: S/. 450.00
Clases Introductorias: 11 y 12 de diciembre (el costo está incluído en el pago de la primera mensualidad)
Inicio de Clases: Lunes 7 de enero del 2013

Horario de clases:
Módulo I y II - Lunes y jueves de 7 a 10 p.m.
Módulo III, IV y V - Martes y miércoles de 7 a 10 p.m.

INFORMES E INSCRIPCIONES:
ARANWA ASOCIACIÓN CULTURAL
Teléfonos Of: 4627210 / 4627373
Jr. Huiracocha 2160, Jesús María
Horario de Atención: Lunes a viernes, de 9 a 5.30 p.m. 

UNA MIRADA A NUESTRO CFT:
http://www.youtube.com/watch?v=8b8kuXFIlCw&feature=relmfu,
http://www.youtube.com/watch?v=OjkbvXooYXA&feature=relmfu
http://www.youtube.com/watch?v=7F5c1_eE2ng&feature=relmfu

23/8/12

ARANWA TEATRO EN LA FERIA DE FORMACIÓN ARTÍSTICA

 


El 21 y 22 de julio, el Centro de Formación Teatral Aranwa, junto a renombradas escuelas, universidades y talleres se presentó en la Feria de Formación Teatral organizada por la Subgerencia de Cultura de la Municipalidad de Lima y realizada en la Plazuela de las Artes ubicada en el Centro Histórico de Lima.

Esta feria tuvo como objetivo difundir la oferta académica que se ofrece en el ámbito de las artes escénicas de nuestra ciudad, así como generar un espacio de reflexión sobre el mismo. Gracias a esta iniciativa de la Municipalidad, nuestro Centro de Formación Teatral pudo dar a conocer su trabajo y programas a entusiastas interesados en formarse como actores, dramaturgos y directores.

En el marco de la Feria, se realizó la presentación de dos obras de teatro y de dos conversatorios. Uno de ellos, llamado “La Problemática de la Educación Teatral en el País”, contó con la participación de nuestro profesor y miembro del equipo gestor, Jorge Chiarella, quien compartió la mesa de ponentes junto a reconocidas figuras como Jorge Guerra, Lorena Pastor, Jorge Sarmiento y Lauretz Seda para discutir este importante tema que permitió al público asistente tener una nueva perspectiva de la educación artística en nuestro país.

Agradecemos a la Subgerencia de Cultura de la Municipalidad de Lima y a todos aquellos que nos apoyaron e hicieron posible que la participación de Aranwa Teatro sea una gran experiencia.

DRAMATURGIA DE CELESTE VIALE INAUGURA EL GRAN TEATRO NACIONAL

 

En julio y en una breve temporada, la directora de nuestro Centro de Formación Teatral y miembro del equipo gestor de Aranwa, Celeste Viale Yerovi presentó la ópera “AKAS KAS: La Promesa del Guerrero” con la música de Nilo Velarde. Espectáculo que cuenta con la participación de cinco de los seis elencos artísticos del Estado: Orquesta Sinfónica Nacional, Ballet Nacional, Coro Nacional, Elenco Nacional de Folclore y Coro Nacional de Niños.

El Gran Teatro Nacional representa un nuevo espacio cultural en la ciudad de Lima que todos debemos celebrar. Felicitamos a Celeste Viale y a todos aquellos que participaron en este gran espectáculo que quedará grabado como el primero en la vida de este nuevo coloso de las artes.

LA MÚSICA, LA VOZ Y LA DANZA EN MUESTRA DEL MÓDULO IV DE LA PROMOCIÓN VII


El Módulo dedicado a la Música, Voz y Danza ha permitido que nuestros alumnos manejen nuevas herramientas para su desempeño sobre las tablas. 

La muestra dirigida por los profesores Jorge Chiarella, Andrea Van Zuiden y Trilce Cavero se realizó en la Sala de bolsillo (pronto tendremos nuestra Sala de 150 butacas) Ricardo Blume en Jesús María como culminación de tan enriquecedor Módulo.

Los alumnos se presentaron leyendo una composición musical a cargo de Jorge Chiarella, bailando una coreografía basada en haikus dirigida por Andrea Van Zuiden y cantaron los temas “Day By Day” y “Mackie El Navaja” bajo la dirección vocal de Trilce Cavero y la coreografía de Ximena Salgado, alumna del Módulo VIII y bailarina profesional.

Agradecidos por su entrega y gran trabajo, los espectadores de esta Clase Abierta felicitaron a Federico Abrill, Marivel Ariza, Alexandra Barandiarán, Lucía Mantilla y Ximena Salgado. Y nosotros nos sentimos muy orgullosos de ese empeño y talento.

UNA NUEVA PROMOCIÓN EN ARANWA PRESENTA MUESTRA DEL MÓDULO I CON ÉXITO



La promoción VIII presentó bajo la dirección de Jorge Chiarella (Actuación) y Jose Ruiz (Expresión Corporal) los frutos de su trabajo en el Módulo I.
 
Este módulo está orientado al manejo de la Palabra y el Cuerpo como herramientas eje en el trabajo del actor. Trabajo que fue aplaudido por todos aquellos que vinieron a verlo a nuestra Sala de bolsillo (pronto tendremos nuestra Sala de 150 butacas) Ricardo Blume en Jesús María mientras presentaban una improvisación bajo la coordinación de Jose Ruiz y extractos de Hamlet de William Shakespeare bajo la dirección de Jorge Chiarella.
 
 

Felicitamos a Felien De Smedt, Renato Medina, Stephanie Iriarte, Steffany Rojas, Jorge Carrión, Omar Alosilla, Rocío Antero y Julissa Paredes por su gran trabajo y entrega que estamos seguros mantendrán durante todo su tiempo de formación en el Programa de Actuación.
 
 


 




27/5/12

BRILLANTE "RUPTURA CON EL REALISMO" EN LA MUESTRA DE PROMOCIÓN VII

                     Lucía Mantilla, Federico Abrill, Alexandra Barandiarán, Marivel Ariza  y Ximena Salgado, Promoción VII del Programa de Actuación


El Módulo dedicado a la Ruptura con el Realismo ha permitido que nuestros alumnos se desenvuelvan dentro de los estilos de Bufón, Farsa, Absurdo, Vaudeville, Teatro Épico, Danza Teatro  y Esperpento con mucho éxito presentando fragmentos de obras de Pedro Calderón de la Barca, Fernando Arrabal, Federico García Lorca,  Ramón María del Valle Inclán y Bertolt Brecht, además de ofrecernos una breve creación colectiva basada en el Vaudeville y un número de Danza Teatro con la coreografía de la alumna Ximena Salgado.


Federico y Ximena en "Fando y Lis" de Fernando Arrabal 


La muestra dirigida por su profesor Mateo Chiarella se ofreció en la Sala de bolsillo (pronto tendremos nuestra Sala de 150 butacas) Ricardo Blume en Jesús María como culminación de un Módulo lleno de profesores invitados que compartieron con ellos su experiencia dentro de los diferentes estilos de actuación: Joelle Gruenberg (Danza Butoh), Gustavo López (Thadeus Kantor y Grotowski), Celeste Viale (Absurdo), Gustavo Cabrera (Biomecánica) y Jorge Chiarella (Teatro en Verso).


Marivel y Lucía en "La Zapatera Prodigiosa" de Federico García Lorca


El público recibió con fuertes aplausos su notable desempeño, que marcó un gran salto dentro de su formación como actores profesionales. Felicitamos a Federico Abrill, Marivel Ariza, Alexandra Barandiarán, Lucía Mantilla y Ximena Salgado y nos sentimos muy satisfechos de tenerlos como parte de nuestra vasta familia Aranwina.


Federico y Ximena presentando el menú del día a Alexandra en un número de Vaudeville.

Federico, Lucía, Ximena y Alexandra en "La Buena Muerte"

Ximena, Lucía y Federico en "La Ópera de Tres Centavos" de Bertolt Brecht

Marivel y Alexandra en "La Ópera de Tres Centavos" de Bertolt Brecht

Ximena interpretando al Faraón en "La Ópera de Tres Centavos" de Bertolt Brecht

La Promoción presentado "Divinas Palabras" de Valle Inclán





12/4/12

GRAN RECONOCIMIENTO A ARANWA TEATRO


Celeste Viale Yerovi y Jorge Chiarella Krüger acompañados por su maestro Ricardo Blume.


El Ministerio de Cultura otorgó la distinción de “Personalidad Meritoria de la Cultura” a  nuestros directores Jorge Chiarella y Celeste Viale Yerovi, un  reconocimiento en mérito a su destacada labor artística y contribución al desarrollo del teatro en el Perú, en la formación de nuevas generaciones de actores, directores y dramaturgos a través de ARANWA Asociación Cultural.

Igualmente recibieron la distinción  Alfonso Santistevan, Jorge Guerra,  Grupo de Títeres Kusi Kusi, Cesar Antonio Escuza, Eduardo Clemente Valentín y Ana Correa, destacadas personalidades del teatro nacional, durante la ceremonia que se realizó con motivo de las Celebraciones por el Día Mundial del Teatro el pasado 27 de marzo.

5/2/12

MIÉRCOLES 8 Y JUEVES 9 SE DA LA PRUEBA

DRAMATURGIA EN ARANWA 
SE INICIA EL LUNES 13 DE FEBRERO


El Centro de Formación Teatral de Aranwa Teatro abre las inscripciones de su Programa de Dramaturgia 2012 para las personas interesadas en seguir una carrera como dramaturgos y/o guionistas de cine y televisión.

El Programa tiene una duración de un año, dividido en 3 Módulos, y tiene como objetivo brindarle al alumno las herramientas necesarias para poder escribir una obra teatral o un guión audiovisual. La plana docente está conformada por reconocidos profesionales del medio: Eduardo Adrianzén, Alfredo Bushby, Mateo Chiarella, Gonzalo Rodríguez Risco, Claudia Sacha y Celeste Viale. A través de este Programa, Aranwa Teatro busca incentivar la escritura teatral, difundir nuevos dramaturgos y poner en circulación nuevas piezas de teatro peruano. Período: 3 módulos de entre 11 y 12 semanas de duración cada uno Frecuencia: Tres días a la semana (3 horas al día) Horarios: Grupo A: lunes y jueves de 10:00 a.m. a 1:00 pm. y viernes de 9:00 a.m. a 12:00 m. (Módulo I). Los Módulos II y III tendrán una pequeña variación: lunes, martes y jueves de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. Grupo B: lunes, martes y jueves de 7:00 p.m. a 10:00 p.m Cupo por grupo: Mínimo 6 / máximo 12 Costo: S/. 420.00 mensuales (Módulos I y II) S/. 500.00 mensuales (Módulo III) Prueba de admisión (redacción y análisis): Miércoles 8, jueves 9 febrero La prueba de admisión tiene como finalidad determinar el nivel y la capacidad del postulante para: 1. La comprensión de lectura; 2. La redacción de textos; 3. El uso de la gramática y ortografía. La prueba de admisión se realizará el miércoles 8 y jueves 9 de febrero en dos horarios: a las 10:00 AM y a las 7:00 PM. Durante la prueba de admisión el postulante tendrá 1 hora para: Leer una obra breve de teatro y responder a las indicaciones señaladas en la hoja de evaluación que se le entregará. Los textos serán corregidos por los profesores del Programa de Dramaturgia del Centro de Formación Teatral de Aranwa Teatro.

Gonzalo Rodriguez Risco, Mateo Chiarella Viale, Celeste Viale Yerovi, Eduardo Adrianzén, Alfredo Bushby y Claudia Sacha tienen a su cargo el desarrollo del Programa.

El día viernes 10 de febrero a partir de las 9 am. los postulantes serán notificados, por teléfono si han pasado o no la prueba de admisión. Matrícula Los postulantes que hayan pasado la prueba de admisión deberán matricularse el viernes 10 de febrero, depositando en la cuenta bancaria de ARANWA la cuota correspondiente al primer mes.

26/1/12

ATENCIÓN JESÚS MARÍA

"MÁQUINA HAMLET" DE HEINER MÜLLER
POLÉMICA OBRA EN ARANWA TEATRO 

"Máquina Hamlet" de Heiner Müller. Presenta Aranwa Teatro solo hasta el 19 de febrero. Dirige Guillermo Castrillón. Actúan Sergio Cano, Luciana Flores y Katherina Sánchez. Sala Ricardo Blume (Jr. Huiracocha 2160, Jesús María). Viernes a domingo 8 p.m.  S/.25 y S/15. 



En una singular puesta en escena de Guillermo Castrillón que se inscribe en la línea del performance, Aranwa Teatro presenta desde este viernes 27, a las 8 p.m., Máquina Hamlet del polémico autor alemán Heiner Müller, en su Sala Ricardo Blume de Jr. Huiracocha 2160, Jesús María.

Esta pieza dramática que ha tenido un fuerte impacto en todos los lugares del mundo donde se ha presentado, es fruto de un avanzado trabajo de desarticulación del texto que hace Müller de la obra Hamlet de Shakespeare.  En su estreno (1977) fue tema de gran escándalo, y hoy es una de sus obras más representadas por su inusual estructura, descarnados diálogos y belleza estética.

La actuación está a cargo de Sergio Cano, Luciana Flores y Katherina Sánchez, actores egresados de Aranwa. El diseño de luces es del propio director y las opera Manuel Vásquez, las fotos son de Dania Granda, el afiche de Mariño Pérez y la producción ejecutiva la tiene Federico Abrill.

En un montaje agresivo y bello, Castrillón aprovecha las exploraciones de Müller para a su vez propiciar que los actores hagan una indagación sobre sí mismos y su contexto artístico, social y político, descubriendo valientemente su íntimo sentir. Las improvisaciones contínuas ocurridas en el proceso, se siguen incorporando en la función de cada día, confrontando al público en su lógica mental con la que acostumbra a “leer” las obras teatrales en la escena.

Máquina Hamlet se presentará de viernes a domingos, 8 p.m. (hora exacta.  Iniciada la obra no se podrá ingresar) en una corta temporada de cuatro semanas. Las entradas se adquieren en la misma Sala y valen S/. 25 general y S/. 15 estudiantes y jubilados. Se pueden reservar llamando al 4627210 /4627209, de lunes a viernes de 9:30 a.m. a 6 p.m. Aranwa Teatro está frente al Auditorio de la Cámara de Comercio de Lima., a media cuadra de la Iglesia San Antonio de Padua, de la Av. San Felipe.


Aranwa Teatro es una asociación cultural sin fines de lucro que dirigen Jorge Chiarella Krüger, Celeste Viale Yerovi y Mateo Chiarella Viale, y tiene como objetivo la formación de profesionales de teatro (actuación, dramaturgia, dirección y programas de extensión) y la producción de obras escénicas. 

CONVERSACIÓN CON HEINER MÜLLER

Una entrevista al autor de Máquina Hamlet que se presenta en una breve temporada hasta el 19 de febrero en la Sala Ricardo Blume (Jr. Huircacocha 2160, Jesús María) bajo la dirección de Guillermo Castrillón. Con las actuaciones de Sergio Cano, Katherina Sánchez y Luciana Flores, alumnos egresados del Centro de Formación Teatral. 


Heiner Müller llega diez minutos antes de lo previsto. Tiene un tabaco en la mano, espejuelos de pasta oscura, una nariz que hace un extraño movimiento cada vez que pronuncia palabras que comienzan con la letra S, una maleta de piel. La cita, tal y como habíamos fijado días antes por teléfono, es en la parte trasera de una librería del barrio de Mitte, en Berlín. Le explico que vengo de La Habana y la idea es pasar la entrevista en algún momento por la radio en la isla (“allí también usted tiene lectores”, digo…) Müller asiente lentamente y me mira intentado ver si hay algo detrás de mis palabras. Me pregunta: ¿empezamos? Respondo que sí, y saco la grabadora, el micrófono, los lapiceros, algunos de sus libros, los cables. Alguien pasa y saluda. Müller continúa observándome mientras fuma, sin moverse… ¿Empezamos? Müller mueve la cabeza arriba y abajo, como un rodillo. Empezamos.

Carlos A. Aguilera: En uno de sus poemas más conocidos usted escribe: Se aprende más fácilmente a torturar que a describir la tor…

Heiner Müller: Oh, no, no, no…, eso lo escribí hace mucho tiempo. Creo que ya ni siquiera estoy de acuerdo. ¿Qué quiere decir uno con eso de describir la tortura? ¿No le parece que hay un fallo ahí, entre el dolor y las palabras, entre afecto y lenguaje? El problema del escritor es que cae con frecuencia en lo aparente, la superficie, y habla de lo que no sabe, de sus propios tics, para al final no decir nada. Hay que volverse a encontrar con el odio, como le gustaba repetir a Brecht. Hay que volverse a encontrar con el odio si uno no quiere producir frases que pasado un tiempo se multipliquen por cero.

CAA.: Entiendo. Sin embargo, pienso que la mejor manera de acceder a la tortura es describiéndola. Es decir, narrar el dolor quizá sea imposible, como usted acaba de sugerir, pero describir el “teatro” que la hace posible es lo único que al final parece efectivo, ¿no? ¿La relación entre palabra y dolor no es siempre un simulacro?

HM.: Mire… de niño una vez maté un gato. Un gato totalmente negro. Cogí una soga, me subí a un árbol y lo ahorqué. Los gatos mueren igual que las personas, ¿sabía? Sacan la lengua, babean, le tiemblan las patas, se orinan… Ante aquello que había hecho me quedé un rato como en éxtasis hasta que se hizo de noche. De más está decirle que ese hecho me deprimió muchísimo. Soñaba todos los días con un gato negro que abría la boca y después me pasaba la lengua por la cara. Un gato negro que caminaba por encima de mí, que me seguía, que me ronroneaba cosas en el oído. En fin, cuando le conté aquel hecho monstruoso a un amigo mío, se rió tanto que durante varios días todavía estuvo haciéndome bromas al respecto. Yo creo que esta persona no pudo entender el dolor que había en mis palabras; la angustia, para decirlo con una palabra que el psicoanálisis usaba mucho antes.

CAA.: No obstante, esto no quiere decir que no haya podido en algunas de sus obras describir “la tortura”. En realidad, y perdóneme que aquí generalice un poco, después de matar al gato lo único que a lo mejor ha continuado haciendo durante años y años sea describir ese momento: el momento donde para usted chocaron tragedia e infancia… ¿No representa esto precisamente para muchos creadores la esencia misma del teatro?

HM.: Hmmm…, no estoy seguro. Tendría que preguntarle a otros. En mi caso, reducir el teatro a eso sería una exageración. Teatro para mí son muchas cosas, y minimizar su espacio, incluso el-hecho-teatral-en-sí-mismo, a determinadas neurosis o ideas fijas que provengan de la infancia es la peor interpretación que se pueda hacer de un Freud o de los integrantes del Círculo de Viena, en el caso de que aún nos fíemos de ellos. El problema de determinadas jergas es que reducen todo a un solo y único hecho.

CAA.: ¿No está usted de acuerdo entonces con la opinión que sostienen algunos críticos de que su Máquina-Hamlet es una reflexión política sobre el momento en que el Príncipe Hamlet en la obra de Shakespeare se enfrenta o conversa con la sombra de su padre?

HM.: Por suerte para mí y para el mismo Shakespeare, mi Máquina-Hamlet es mucho más que eso. Creo que Máquina-Hamlet tiene mucho más que ver con la extinta RDA, con lo que se conversaba y sentía bajo ese contexto, con la manera en que se organizaba la vida privada en aquel lado de Alemania, con mi propia experiencia de vida bajo una sociedad de control… que con la pieza misma de Shakespeare, ya que una no es el espejo de la otra. El instante “político” en que Hamlet-se-enfrenta-a-la-sombra-del-Padre o algo así, no sé bien qué quiere decir.

CAA.: Bueno, pero nada más político que la sombra del Padre, ¿no?

HM.: Otra reducción. La sombra de un padre no tiene por qué ser sólo política. Y en el caso de Shakespeare, no es sólo esto de ninguna manera. Hay que pensar más en los afectos y en la fuerza. ¿O cree usted que un hijo que conversa en un rincón con el fantasma de su padre mientras se mordisquea las uñas y pone los ojos en blanco es únicamente un hecho político? Es muy probable que ni siquiera sea esto…

CAA.: La primera vez que ví Máquina-Hamlet fue en un barrio de la periferia de La Habana que se llama Alamar. Un pequeño grupo underground la montó en una plazoleta y recuerdo que hasta algunos policías estaban sentados mirando la obra. Lo interesante es que Alamar es un barrio al más puro estilo socialista. Es decir, con edificios prefabricados y donde eso que usted ha llamado “vida privada” existe casi contraída a cero, ya que todo el mundo puede escuchar o vigilar sin problemas a todo el mundo… Todo esto sólo para decirle que ese trasfondo de bloques grises lleno de ventanas y ventanas y ventanas, es el mejor decorado que he visto alguna vez para una obra de teatro.

HM.: Sin duda, la deformación de Le Corbusier que el socialismo llevó a cabo en esa extensa área geográfica que Occidente antes denominaba “el Telón de Acero” es una de las más atractivas, por perversa, que se pueda pensar. Sin embargo, su relato, que me parece muy interesante, también está demasiado cargado con su propia historia personal. De ahí que el Hamlet parloteando en un barrio periférico de La Habana le haya parecido lo mejor del mundo. Pero ¿cree usted que para alguien en Noruega o Francia funcionaría de la misma manera? Supongo que no. El mejor escenario para una obra de teatro es siempre algo muy relativo. Quiero decir, no existe.

CAA.: ¿No cree usted que esos edificios prefabricados vendrían a ser el alma visible de esa ideología nefasta que durante tiempo se llamó comunismo y por lo tanto de un monólogo como Máquina-Hamlet, siempre en la frontera entre lo privado y lo político?

HM.: … No.

CAA.: … (?!)

HM.: El “alma visible” es una manera demasiado bonita de nombrar algo que estaba esencialmente podrido y fuera-de-foco en esa ideología que hace ya un tiempo se hundió pero que considero tampoco era el mal absoluto. De hecho, a pesar de que siempre fui muy crítico con el socialismo y su reductio ab absurdum de la vida de los alemanes orientales, pienso que había cosas o valores que realmente eran importantes, salvables. Lo malo de un sistema es que es como un barco, cuando se hunde, lo arrastra todo, incluso lo que debería sobrevivir.

CAA.: ¿Por ejemplo?

HM.: Mire, según los neurólogos, cuando a alguien le cortan una mano o un pie, puede estar después varios años sintiendo picazón o dolor en la mano o pierna que ya no existe. Y esto es también lo que sucede con los sistemas que se extienden durante tanto tiempo, que regulan y definen la vida de las personas incluso por varias generaciones. Al final, uno termina “sintiendo” en el lugar amputado…

CAA.: Más de una vez usted ha dicho que detrás de los personajes-de-teatro no hay nada. Los personajes son máscaras y cuando termina la obra termina también el personaje. Algo así como un vacío frente a otro vacío. ¿Continúa pensando esto?

HM.: Creo que lo que le respondí en la pregunta anterior se adecúa también a esta. Es muy probable que alguien continúe “sintiendo” en el lugar donde antes había una pierna, pero esto será un sentimiento falso, producto quizá de un complicado espejismo. Allí donde antes había una pierna, ahora hay nada. Por otra parte, actuamos demasiado en la vida, frente a la familia, los amigos, el carnicero, los periodistas… Sería demasiado ir al teatro para allí también encontrar actuaciones, ¿no? Como decía Brecht: los peores actores son los que siempre actúan.

CAA.: Dicen que Tadeusz Kantor, el gran dramaturgo polaco, cada vez que descubría sobreactuaciones en sus actores los encerraba en una jaula por horas, para que aprendieran a estar a solas con ellos mismos. Incluso un día olvidó a uno allí durante toda la noche. ¿Esta relación entre tortura, precisión y teatro le parece válida?

HM.: Kantor era polaco, como usted acaba de decir. Y los polacos tienen fama de ser muy despiadados… Tampoco hay que exagerar. La tortura debe ser conceptual pero nunca, en ningún caso, física. Quiero decir, a mí me interesaría más que mis actores pensaran conmigo sobre la tortura, a que sintieran cualquier tipo de terror ante mi presencia.

CAA.: ¿A hecho algún ejercicio con sus actores al respecto?

HM.: El teatro es siempre una reflexión sobre el terror. El terror ideológico, el terror social, el terror que incluso puede sentir alguien ante sí mismo. Una vez estábamos haciendo improvisaciones en el Berliner Ensemble y una actriz empezó a llorar porque en su último sueño después de haberse convertido en una gallina, se había estrellado contra las aspas de un avión que según ella volaba muy bajo, casi a nivel del piso. Esta muerte simbólica, por llamarla de alguna manera, la había deprimido y alejado de toda concentración a la hora de trabajar juntos…

CAA.: ¿Y usted qué hizo? ¿La disculpó ese día y al otro se concentraron en otra cosa?

HM.: La disculpé ese día y al siguiente regresé con una gallina real y le dije: tu improvisación de hoy tiene que ver con esta gallina. Muéstranos qué puedes hacer. Herta, que así se llamaba la actriz, terminó al final descuartizando a la gallina y hasta dándole un par de mordidas…

CAA.: ¿Cree usted en el teatro como terapia?

HM.: No. Por lo menos mi teatro, no. En todo caso es un ensayo, una reflexión, un poner en escena toda la fuerza que en determinado momento uno puede concentrar en sí mismo. Pero terapia no. Oh, no. No creo que nadie crea en el teatro o la literatura como terapia.

CAA.: Diferentes antropólogos, sobre todo norteamericanos, han escrito sobre la relación entre teatro y cura. O mejor, entre representación y posesión. El ritual de posesión que se establece a la hora de “encarnar” un personaje o una mentalidad determinada. El caso más cómico, o trágico, es el de Johnny Weissmuller, el famoso actor de Hollywood de los años treinta que murió pensando que era Tarzán…

HM.: Los antropólogos norteamericanos no tienen ni idea. Y el caso de Johnny Weissmuller es bastante diferente. Weissmuller enfermó en la vejez y murió creyendo que era Tarzán después de haber filmado decenas de películas y haber sido una gloria de la natación. Su caso no tiene nada que ver con la posesión. No hay que echarle la culpa al “buen salvaje”…

CAA.: “En una sociedad socialista el principio básico es ampliar la élite. En las sociedades occidentales (leáse capitalistas) ocurre todo lo contrario. Por razones, en parte económicas, la élites tienden a concentrarse sobre sí mismas.” Después de haber vivido el hundimiento del socialismo en Europa, etc., ¿sigue pensando de esta manera?

HM.: Toda reflexión está íntimamente ligada con el momento histórico y privado en que se pronuncia. Y sí, en los 70 y 80s, a la vez que veíamos —aquí casi hablo en nombre de mi generación— lo imperfecta que resultaban algunas cosas, lo contradictorias que eran, también creíamos en una suerte de ampliación de las élites culturales, de eso que tanto se repetía (y luego resultó ser falso) de La Cultura para Todo el Pueblo. Entonces, ¿qué quiere que le diga? Ya no estoy de acuerdo. En parte, incluso, el Muro se derrumba por la cantidad de promesas que nunca se llegaron a cumplir. Pero en los años setenta todo era diferente. Me atrevo a pensar que hasta en la misma Cuba era así, ¿no? Todavía creíamos.

CAA.: Todo depende de quién hable. Pero sí, supongo que incluso hoy existen personas que aún creen en todo eso.

HM.: Sabe usted, lo más difícil de aceptar —por lo menos en mi caso— no es tanto que existieran promesas que se cumplieran y otras que no. Eso sucede en todas partes, aunque bien es cierto que bajo el capitalismo las promesas nunca son colectivas, no vienen disfrazadas de Gran Padre Ideológico, tal y como intentaba representar para nosotros el Partido o la figura misma de Honecker. Lo más dificil de aceptar es que la historia y todo lo que se mueve alrededor de ella no sirve para nada. Siempre hay gente dispuesta a lo peor, y lo peor es siempre creer ciegamente en algo, aceptar sin más ni más. Ahora mismo hay gente en Alemania que se organizan alrededor de agrupaciones neo-nazis, ultranacionalistas, o que sienten de nuevo añoranza por lo peor de nuestra historia. ¿Entiende usted? Entonces, lo que me pregunto a cada minuto es para qué sirvió el hundimiento del totalitarismo si siempre hay gente dispuesta a resucitarlo o, peor, a construir cosas peores. ¿Quizá no era mejor, acaso, buscar una variante donde sobreviviera parte del pasado con algo totalmente nuevo, utópico?

CAA.: Bueno, en todo caso no. Aunque comprendo lo que usted dice, soy de los que creen en la efectividad de ese hundimiento. Continuar como antes sería aceptar el-propio-hundimiento, moral y político quiero decir, y esto es lo que nunca debe ser aceptado. De lo contrario terminaríamos como su actriz, llorando porque nos convertimos en una gallina descuartizada por las aspas de un avión…

HM.: Hmmm… No sé si le dije que esta actriz hace dos años se mató. Se enterró una aguja en el lado izquierdo del pecho, de esas largas que se usan en los telares y en las fábricas de ropa, y murió…

CAA.: ¿Pudiera pensarse el suicidio como un hecho teatral, un proceso?

HM.: Um Gottes willen…, por supuesto que no. El suicidio, la muerte en cualquiera de sus variantes es un hecho privado, íntimo. No hay que confundir.

CAA.: Usted ha escrito, creo que en su autobiografía, que el teatro ante todo mueve situaciones, no historias. ¿No pudiera ser el suicidio, no el de alguien en específico —aunque, ¿por qué no?— una situación a narrar en una obra futura?

HM.: Quizás. Aunque en mi caso me negaría a trabajar con la muerte de alguien en particular. Sobre todo de alguien que durante mucho tiempo estuvo cercano a mí. El problema de la muerte, por lo menos en Occidente, es que tiene demasiada moral atrás, demasiada religión, y la gente no tiende a concebirlo como un proceso, un bucle que no es vertical ni horizontal. Y para que algo pueda ser sometido a la moledora de carne que es el teatro mismo tiene que ser negativo, además de poder ser leído como proceso. Es decir, la muerte por la muerte misma no me interesa. A la muerte por la muerte misma le falta negación, contracultura, enfermedad. Es decir, todo eso que a mí me interesa “destruir”.

CAA.: ¿Representa para usted el teatro un “proceso de destrucción”; es decir, un espacio donde ante todo se construyen y se colocan al límite preguntas?

HM.: Mi impulso más fuerte consiste en reducir las cosas a su esqueleto, arrancándoles la mayor cantidad de carne que sea posible. De esta experiencia sale mi Hamlet, mis obras sobre la historia alemana, el Bildbeschreibung que hace unos años monté con Bob Wilson en Graz; mi autobiografía… El teatro o destruye lo establecido o no tiene sentido.

CAA.: Por cierto, ahora que menciona Alemania, me gustaría hacer un aparte sobre su texto quizá más extendido en el tiempo, ya que demoró quince años en terminarlo: Germania. Muerte en Berlin. Ese Goebbels embarazado, con grandes tetas, al que un Hitler caricaturesco le da nalgadas y pellizquitos (tratándolo todo el tiempo como a una suerte de amante), ¿vendría a ser su especial venganza con la realidad de posguerra alemana pero en especial con eso que en una película magistral Pasolini llama «el imperio de Bonn»?

HM.: La posibilidad de construir en escena a un Hitler demente y antropófago que grita constantemente órdenes a una suerte de Goebbels transexual que se siente orgulloso de llevar en su vientre a la “nueva” Germania, fue una de las ideas que nunca me abandonó desde que empecé a concebir la obra en 1956. Una idea a la misma vez que banal (y ya usted sabe, nada más banal que la política), utópica y caricaturesca, que resumía —por así decirlo— el lado trágico que tuvo para nosotros el Tercer Reich y todo lo que vino después. Pasolini entendió esto muy bien, como usted acaba de mencionar, en su Porcile. Una de sus películas más logradas y curiosamente menos reconocida.

CAA.: ¿Trabaja ahora mismo en algo específico?

HM.: Nada en concreto. O sí…, hoy por la mañana he hecho fotos de mi mujer. ¿La conoce? Es una fotógrafa muy interesante, arriesgada. He hecho fotos de pedazos de su cuerpo. Desnuda. Probablemente hagamos un libro juntos.

CAA.: ¿Cree usted en la unión entre teatro y otras artes audiovisuales (fotografía, danza, cine…)? O mejor, ¿en la fisura entre teatro narrativo y teatro visual?

HM.: El teatro quizá sea el arte más antiguo y, sin dudas, el que más capacidad de futuro posee. Y mientras menos “teatro” sea, mejor. Eso es lo que se aprende viendo a Artaud, Samuel Beckett, Brecht… El teatro no tiene que ser narrativo ni visual. Tampoco una mezcla de los dos conceptos. El teatro tiene que concentrarse en su propio delirio, su diferencia. Y mientras más diferente y neurótico sea, mejor. Las única manera de hablarle al presente es desde la obsesión y la inactualidad. Cualquier obra que se respete tiene que ser profundamente in-actual.

CAA.: Sr. Müller, esta conversación la comencé citando un poema suyo que habla precisamente de la tortura y, a la vez, de cierta desesperanza. Una desesperanza irónica, por decirlo de alguna manera. ¿Sería tan amable, y para terminar con la entrevista, de leer Autorretrato a las dos de la madrugada del 20 de agosto de 1959 en voz alta para registrarlo en nuestros archivos?

HM.: Sentado junto a la máquina de escribir. Hojeando
una novela policiaca. Al final.
Sabrás lo que ya sabes ahora:
el secretario de rostro plano con poblada barba
es el asesino del senador
Y el amor del joven sargento de la Brigada Criminal
por la hija del almirante es correspondido.
Pero no te saltarás ni una página.
A veces al pasar la hoja una hojeada rápida
al folio en blanco puesto en la máquina de escribir.
Por lo menos eso nos lo evitaremos. Algo es algo.
El periódico decía: en algún lugar una aldea
ha sido bombarbeada hasta no dejar piedra sobre piedra.
Es lamentable, pero en qué te atañe a tí.
Precisamente ahora está ocupado el sargento en impedir
el segundo asesinato.
A pesar de que la hija del almirante le ofrece
(¡por primera vez!)
los labios, estar de servicio conlleva servidumbre.
No sabes cuántos muertos, se han llevado el periódico.
Al lado tu mujer sueña con su primer amor.
Ayer intentó ahorcarse. Mañana
se abrirá las venas de las muñecas o qué sé yo.
Por lo menos tiene un objetivo a la vista
que alcanzará de un modo u otro.
Y el corazón es un cementerio espacioso.
La historia de Fátima en el Neues Deutschland
estaba tan mal escrita que te echaste a reír.
Se aprende más fácilmente a torturar que a describir la tortura.
El asesino ha caído en la trampa
El sargento magrea a su premio.
Ahora puedes irte a dormir. Mañana será otro día.

CAA.: Sr. Müller, muchas gracias por su tiempo.

HM.: No, gracias a usted.

Carlos A. Aguilera
Frankfurt